「鋼琴家不是石匠，手拿鑿子，忠實、認真地根據建築師的圖紙砍鑿石頭。鋼琴家不是工具，呆版地傳達別人的思想、感情，而不把自己放進去。鋼琴家的職責是讓這些思想、感情說話、哭泣、歌唱―按照他的認識表現。這樣，他和作曲家一樣在創作；他必須化那些激情為己有，才能把他們的全部光芒發揮出來。他把生命的氣息吹入那死沉的肉體，燃之以火，用優雅、美麗的脈搏使它活起來。鋼琴家把泥土塑造的形體變成有生命的人。」―Franz Liszt(1811-1886)
真不虧是我的老公(BL？)，說得真好啊！
雖然跟著老師學，可以學到彈鋼琴必要的技巧。例如：十六分音符四個四個連起來，就要用抬指節奏訓練，才能沒有差錯；手腕要放鬆，不可以僵硬，否則會受傷等等。
然而，又會有許多限制。例如：當我想變成李斯特的彈法時，就會被禁止，「頭不要點」、「身體不要動」。如果把鋼琴看成嚴肅的東東，那這樣的禁止也是合格啦，只是，鋼琴應該可以彈的更自由才對。
離開老師後，又經過了一段焠鍊，我研發出特殊的技巧，「超越時光、融合作曲家」。運用幻想，讓眼前便成一幅場景，配合音樂所要表達的意思，來詮釋曲子。因為我已經有基本技巧，剩下就是如何運用它們了。
通常，我先將作曲家生平讀熟，再看看樂評，最後將曲子練好。因此，我表現的是「作曲家的一生」、「作曲家的思想」，融合我的感情，在該奔放處，我宣洩；在該收斂處，我回穩，配合彈性速度，達到「鋼琴是由我控制」的地步。
這樣，和機器表演的死板音樂，就會有極大的差別。
走遍校園，我聽過很多人彈各種曲子，從簡單到困難，甚至是貝多芬第十四號鋼琴奏鳴曲第三樂章，我只能說，他們沒有將自己放到曲子裡，只是呆版地呈現譜上的記號。因此，感覺上，彈出來的音符，不是他的東東，而是譜上的東東。
兩個有很大的差別，因為音符是死的，而人卻是活的，如何將死的音符變成活的，是活人的工作，而不是記號的職責。我在聽的瞬間，就能抓住這個人以後會怎麼詮釋這首曲子的話，聽個三十秒就會走人，否則會睡著，因為沒什麼能聽的了。
如果蕭邦作品十的第三號練習曲是除了步伐的節奏，就沒有任何東東了，那就不是蕭邦的本意；如果貝多芬第十四號鋼琴奏鳴曲第三樂章不像貝多芬的性格，這也不再是貝多芬的作品。要在古人與活人間游走，才能將曲子完全地詮釋。
